Удивительные факты о великих композиторах: что вы не знали о музыкальных гениях

Удивительные факты о великих композиторах: что вы не знали о музыкальных гениях

»»»» Интересные факты о великих композиторах

10:52 Интересные факты о великих композиторах

Георгий Свиридов Свиридов своей музыкальной карьерой во многом обязан матери. Ей, крестьянке, за ударный труд во благо СССР была положена награда: корова или рояль. Заметив музыкальные способности сына, она выбрала инструмент и этим определила судьбу мальчика. Во время учёбы Свиридов жил в общежитие в одной комнате с 20 соседями. Сокурсники пророчески дразнили его «великим композитором» - никто, кроме него, не посещал сочинительский курс. Всю жизнь этот советский музыкальный гений и обладатель высших правительственных наград арендовал инструмент у Союза композиторов. На покупку своего банально не хватало денег. Свиридов обожал рыбалку, но при этом отличался чрезвычайной брезгливостью и не мог копать червей. Если же иного выхода не было, Свиридов после этой процедуры часами мыл руки. Еще один интересный факт из жизни композитора связан с его дневниками. Всю жизнь он вёл записи, используя для этого не только тетради и блокноты, но и магнитофонную плёнку, поля книг и журналов, клочки бумаги, справочники, телефонные книги и даже свои нотные записи. Михаил Глинка Михаил Иванович Глинка по праву считается основоположником отечественной русской классической музыки и первым русским композитором-классиком, которому удалось достичь мировой славы. Известно, что Михаил Иванович Глинка был слаб здоровьем. Это, однако, не мешало ему путешествовать, к тому же географию композитор знал прекрасно. Он свободно владел шестью иностранными языками, среди которых был и персидский. Сергей Прокофьев Сергей Сергеевич Прокофьев – дирижёр, пианист и один из крупнейших русских композиторов ХХ века. Его считают русским музыкальным вундеркиндом: композировал он с 5 лет, в 9 написал две оперы, а в 13 лет стал студентом Санкт-Петербургской консерватории. Страстью Прокофьева были шахматы. Он не только любил в них играть, но и обогатил эту игру собственными идеями, предложив так называемые «девятерные» шахматы – доска с полем 24х24, на которой играют сразу девятью комплектами фигур. Михаил Иванович Глинка по праву считается основоположником отечественной русской классической музыки и первым русским композитором-классиком, которому удалось достичь мировой славы. Источник: https://kulturologia.ru/blogs/091213/19462/ Михаил Иванович Глинка по праву считается основоположником отечественной русской классической музыки и первым русским композитором-классиком, которому удалось достичь мировой славы.

Связанные вопросы и ответы:

Какой композитор считается "отцом симфонии"

Симфония занимает очень почетное место в мире музыки. Ее история началась два с половиной века назад.Слово «symphonia» в переводе с греческого означает созвучие. В Древней Греции так называли приятное сочетание звуков и стройное хоровое пение. В Древнем Риме симфонией называли оркестровую музыку.Первые симфонии в теперешнем понимании этого слова появились в Европе во второй половине 18 века.Создателем классической симфонии считают Йозефа Гайдна .

В его творчестве она приобрела окончательный вид, поэтому этого композитора называют «отцом симфонии».

А Моцарт и Бетховен продолжили начатое им и открыли новые возможности этого жанра.

Итак, классическая симфония состоит из четырех частей. - быстрая, активная. - анданте - медленная, задумчивая, посвящена обычно мечтам, природе. часть - менуэт. Это игра, веселье, народные гулянья, хороводы. - итог всего произведения, вывод из того, что прозвучало в трех частях. Часто финал звучит торжественно, победно или празднично.

Любая симфония - это целый мир, созданный композитором. Часто ее сравнивают с поэмой или романом. Ведь музыкант стремится выразить в симфонии все, ради чего живет человек на свете: стремление к счастью, справедливости и добру, гармонии во всем.

создал 104 симфонии из них хочется вспомнить "Прощальную симфонию", одну из будущего XVIII века.

"Прощальная симфония" в очень интересном исполнении Венского филармонического оркестра.

- около 50. Одна из самых знаменитых -Симфония №40

Третьему гению - Бетховену принадлежат только 9. Но почти каждая из них - это новое слово в симфоническом искусстве. Вот, хотя бы взять шестую симфонию, которая называется "Пасторальная".

Название «пастораль» происходит от латинского слова «pastoralis» - «пастушеский». Эта тема была очень популярной еще в Древней Греции и Риме. Древние поэты и писатели воспевали жизнь на лоне природы - простую и искреннюю.Мода на пасторальные сюжеты в музыке, театре и изобразительном искусстве завоевала все европейские страны в 17-18 веках. Очень много старинных опер было написано на пастушеские темы. В них включали народные песни и танцы, веселые сельские праздничные гулянья.«Пасторальной» назвал Бетховен свою шестую симфонию и посвятил ее человеку и природе. Музыка ее наполнена нежными голосами птиц, тихим журчанием ручьев, звуками народных инструментов и даже притопыванием танцующих.Бетховен дает название каждой части симфонии: «Пробуждение радостных чувств при прибытии в деревню», «Сцена у ручья», «Веселое сборище крестьян». Но вдруг налетевшая гроза прерывает веселье. Это слышится в части «Гроза. Буря». Постепенно горизонт проясняется, буря стихает. Симфония заканчивается умиротворенным светлым гимном «Радостные, благодарные чувства после грозы».Эта симфония - гимн природе, благодарность человека за покой и блаженство, подаренные ею.Во время написания симфонии композитор пребывал в подавленном состоянии, он сильно переживал из-за своей болезни. Ему грозила полная глухота, и ее приближение Бетховен уже чувствовал. «Никто не может любить природу, как я, - говорил композитор в то время. - Леса, деревья и скалы шлют тот отклик, которого ждет сердце человека».

Как называется самая известная опера Верди

Луиджи Боккерини – имя этого талантливого итальянского композитора, яркого представителя эпохи венского классицизма и рококо широко известно всем любителям классической музыки. Выдающийся маэстро, является автором большого количества прекрасных творений, которые в нынешнее время, покоряя слушателей, очень часто звучат со сцен концертных залов. Однако у Боккерини есть одно сочинение, ставшее настолько популярным, что к его названию можно смело прибавить эпитет «вечный». Это знаменитый менуэт, изначально являвшийся частью струнного квинтета E-dur, сегодня существует как самостоятельная пьеса, музыку которой в различных переложениях и исполнительских редакциях можно услышать в звучании всевозможных музыкальных инструментов, а также всякого рода ансамблей.

Известно, что Моцарт ценил музыку Боккерини. Об этом писал еще Стендаль : «Не знаю, по причине ли успеха, который ему доставило исполнение Miserere (Стендаль имеет в виду прослушивание Моцартом Miserere Аллегри в Сикстинской капелле ), но, по-видимому, торжественный и меланхолический напев этого псалма произвел глубокое впечатление на душу Моцарта, который с тех пор возымел явное предпочтение к Генделю и к нежному Боккерини».

История «Менуэта» Боккерини

Менуэт (фр. menuet, от menu — маленький, незначительный) — старинный народный французский грациозный танец, названный так вследствие своих мелких шажков на низких полупальцах, па меню (фр. pas menus). Как и большинство танцев, он возник из французского крестьянского бранля. Родиной его считают Бретань. С середины XVII века — бальный танец. При Людовике XIV менуэт был излюбленным придворным танцем. Преподавателем менуэта в то время был Франсуа-Робер Марсель, член Французской Королевской академии танца, специально уволившийся из театра Парижской оперы, чтобы преподавать этот стремительно вошедший в моду танец. С конца XVII века широко распространился по всей Европе.

Менуэт при дворе короля Людовика XIV. Гравюра

Несмотря на то, что знаменитое произведение появилось в Испании в 1771 году, его предыстория несомненно началась в Италии 19 февраля 1743 года, где в старинном тосканском городе Лукка в семье музыканта, игравшего на контрабасе в городском оркестре, Леопольда Боккерини родился мальчик, которому дали имя Луиджи. Проявившееся рано неординарное дарование малыша способствовало его успешному музыкальному образованию. Он прекрасно пел и как отец очень хотел освоить контрабас, но из-за большого размера этого инструмента стал с усердием заниматься на виолончели.

Портрет Луиджи Боккерини работы неизвестного художника, ок. 1764—1767гг

Когда Луиджи исполнилось двенадцать лет, он начал выступать на публике, и городские любители музыки сразу по достоинству оценили талант маленького музыканта. Вскоре четырнадцатилетний Боккерини для совершенствования своего исполнительского мастерства отправляется в Рим. Вернувшись через четыре года в родной город, Луиджи начал активно заниматься композиторской деятельностью, а помимо того объединившись с талантливыми музыкантами, он организовал струнный квартет. Этот вид музицирования в то время только начинал развиваться.

В 1767 году, после смерти любимого отца, Луиджи покидает Лукку и вместе со своим близким другом Филиппе Манфреди отправляется в Париж. Однако, несмотря на то, что во французской столице Боккерини уже был известен как талантливый композитор, там его встретили неприветливо и уже через год Луиджи пришлось переехать в Испанию. Впрочем, Мадрид тоже не оказал музыканту достойного приёма и только при дружеской поддержке Манфреди он получил место в капелле дона Луи – брата испанского короля Карла III. Находясь под покровительством у инфанта, который увлекался камерной музыкой и сам неплохо играл на виолончели, Боккерини много сочинял. Вот тогда-то, в 1771 году в числе большого количества различных произведений из-под его пера выходит струнный квинтет E-dur, одной из частей которого является знаменитый «Менуэт».

Жизнь Боккерини сложилась неудачно. Судьба уготовила ему участь изгнанника, существование, полное унижений, бедности, постоянной борьбы за кусок хлеба. Он испытал всю тяжесть аристократического «меценатства», глубоко ранившего на каждом шагу его гордую и чувствительную душу, и прожил долгие годы в беспросветной нужде. Можно только удивляться, как при всем том, что выпало на его долю, он сумел сохранить неистощимую жизнерадостность и оптимизм, столь ярко ощутимые в его музыке.

«Менуэт» Луиджи Боккерини – это волшебное творение великого мастера. Когда слушаешь музыку этого очаровательного произведения, то случается чудо: сразу хочется забыть об окружающей нас современной суматохе и мысленно перенестись в минувшие времена – эпоху прекрасных дам и галантных кавалеров. Грациозность этого танца пленяет сердца и поэтому его по достоинству можно назвать танцем королей.

Какой композитор был придворным музыкантом у короля Людовика XIV

Балет «Лебединое озеро» был заказан Чайковскому весной 1875 года дирекцией московского Большого театра . Инициатива, по-видимому, принадлежала тогдашнему инспектору репертуара, а в последствии управляющему императорскими театрами в Москве - В.П. Бегичеву, который был весьма известен в Москве как литератор, драматург и активный общественный деятель. Он же, совместно с балетным артистом В.Ф. Гельцером, явился и автором либретто «Лебединого озера». Первые два действия были написаны композитором в конце лета 1875 года, весной 1876 балет был дописан и полностью инструментован, а осенью того же года в театре уже шла работа над спектаклем.

Премьера спектакля состоялась 20 февраля 1877 года на сцене Большого театра. По мнению современников, постановка оказалась весьма посредственной, причиной чему была прежде всего творческая беспомощность хореографа-постановщика Юлиуса Рейзингера. В одном из отзывов на премьеру читаем: «Рейзингер… проявил если не искусство, соответствующее его специальности, то замечательное умение вместо танцев устраивать какие-то гимнастические упражнения. Кордебалет топчется на одном и том же месте, махая руками, как ветряные мельницы крыльями, а солистки скачут гимнастическими шагами вокруг сцены».

Весьма слабым был и состав исполнителей главных ролей на первых спектаклях: в роли Одетты вместо талантливой прима-балерины А. Собещанской выступала ее дублерша П. Карпакова, оркестр, руководимый малоопытным тогда дирижером Рябовым, к тому же неподготовленный к исполнению партитур, подобных «Лебединому озеру», выполнил свою задачу крайне небрежно. По свидетельству одного из рецензентов, до премьеры состоялось всего лишь две оркестровые репетиции.

Первым сценическим воплощением «Лебединого озера», достойным музыки Чайковского, явилась петербургская премьера балета, осуществленная в 1895 году М. Петипа и Л. Ивановым. Здесь хореография впервые открыла для себя и перевела на свой язык чудесную лирику произведения Чайковского. Постановка 1895 года послужила основой для всех последующих интерпретаций балета. Образ девушки-лебедя стал одной из классических ролей балетного репертуара, привлекательной и трудной, требующей от артиста блестящей виртуозности и тонкой лирической отзывчивости. Русская хореографическая школа выдвинула немало замечательных исполнительниц этой роли, и среди них непревзойденную по одухотворенности Галину Уланову.

Какой композитор написал бессмертный музыкальный произведение "Лебединое озеро"

Родился Людвиг ван Бетховен 16 декабря 1770 года в немецком городе Бонн. Крестили мальчика на следующий день. Отца новорожденного звали Иоганн Бетховен, он певец, тенор в придворной капелле. Мама, Мария-Магдалина Бетховен (в девичестве Кеверих). Ее отец служил придворным шеф-поваром в Кобленце. Они поженились в 1767 году. Дед будущего композитора – Людвиг Бетховен, был певцом той же капеллы, что и его сын Иоганн, потом занял в ней должность капельмейстера.

Детство Людвига было скорее несчастным, чем счастливым. Отец много пил, поэтому денег катастрофически не хватало даже на самые простые вещи. Комнатка Людвига располагалась на чердаке, она была настолько маленькой, что в ней едва нашлось место для железной кровати и старого клавесина. Пьяный отец в беспамятстве бил супругу смертным боем, частенько перепадало и Людвигу.  Мария жалела сына, старалась хоть как-то облегчить ему жизнь, проводила с ним много времени, часто пела для него незамысловатые песенки.

Портрет Бетховена в детстве

Творческие наклонности проявились у Людвига в раннем детстве, и это не ускользнуло от внимания отца. В те годы везде гремело имя Амадея Моцарта , и отец задумал сделать из сына еще более успешного музыканта, чем прославленный композитор. Он заставлял Людвига много часов сидеть за фортепиано и упражняться игре на скрипке.

Чтобы понять, насколько сын музыкально одарен, Иоганн усадил его одновременно за пять инструментов – клавесин, орган, скрипку, альт и флейту. Мальчик много часов проводил за занятиями музыкой, если где-то ошибался, тут же был избит и выпорот. Отец нанимал учителей для сына, но они не отличались особым талантом и не могли дать ему нормальных знаний и навыков.

Отец прилагал все силы, чтобы Людвиг как можно скорее начал концертную деятельность, надеясь на щедрые гонорары.

Иоганн обратился к архиепископу с просьбой об увеличении ему жалования, а взамен обещал привести в его капеллу талантливого мальчика. Однако доходы семьи от этого не увеличились, все деньги отец тратил на выпивку. Творческая биография Людвига ван Бетховена началась в 6 лет, когда он выступил с концертом в Кельне. Однако его гонорар был более, чем скромным.

Мама поддерживала сына, как могла, и именно благодаря ей появились первые конспекты его импровизаций. Природа дала этому ребенку неимоверный талант, но развивался он мучительно и сложно. Бетховен просто погружался в создаваемую им музыку, и зачастую пребывал в состоянии полной отрешенности от внешнего мира.

В 1782-м должность директора придворной капеллы занял Кристиан Готлобу, который и взялся обучать Людвига. Он видел, что его ученик невероятно одарен, и понял, что такой талант нужно развивать. Чтобы развитие мальчика было максимально полноценным, он знакомит его с литературой, древними языками и философией. Бетховен буквально влюбился в Гете , Шиллера , Шекспира, он часами слушает Генделя и Баха и мечтает когда-нибудь поработать с прославленным Моцартом.

В Вене, которую тогда считали музыкальной столицей Европы, юноша оказался в 1787-м. Там и состоялось знакомство с кумиром – Вольфгангом Моцартом. Услышав, как импровизирует Бетховен, Моцарт пришел в полный восторг, и сказал всем, чтобы не отрывали взгляда от этого мальчика, и что вскоре его имя будет знать весь мир.

Людвиг упросил маэстро дать ему несколько уроков, но вынужден был уехать, потому что у него серьезно заболела мама.

После похорон матери, Людвиг почувствовал полное отчаяние и безысходность. Это не способствовало дальнейшему развитию творчества, ему нужно было думать, чем кормить двух младших братьев, и как справляться с пьяными выходками папаши. Людвиг обратился к принцу и попросил его выделить семье денежную помощь. Тот не отказал, и семья стала получать довольствие размером в 200 талеров. Над ним насмехались соседи, но Людвиг старался не обращать на это внимание, он пообещал самому себе выбраться из этой нищеты и заработать своим талантом.

В Бонне у талантливого юноши нашлись покровители, благодаря которым он мог свободно присутствовать на музыкальных собраниях и посещать салоны. Это была семья Бройнинг, дочь которых, Лорхен, Людвиг учил музыке. Бетховен был им настолько благодарен, что до конца своих дней поддерживал с ними отношения, особенно с Лорхен и ее мужем доктором Вегелером.

В каком городе родился Людвиг ван Бетховен

И не сообразуйтесь с веком сим,
но преобразуйтесь обновлением ума вашего…
Римл., 12, 2.
Книгой сегодня мало кого удивишь. Вон сколько их, невостребованных, нежеланных, маются на прилавках, библиотечных полках, пылятся в домашних шкафах. Побольше спрос на детективы, справочную, учебную литературу, хотя и она вытесняется интернетом, телевидением, технологиями дистанционного обучения. Что говорить о поэтических новинках. Они сиротствуют, подобно Золушке, в нынешнем прагматичном мире рынка, бездуховности и откровенного эгоизма. Пробраться в широкую читательскую аудиторию, на праздничный бал признания не позволяют им не только малый тираж, финансовые возможности, но и уровень общей культуры в современном обществе, который неуклонно снижается.
Давно ушли в легенду многотысячные вечера в Политехническом музее, очереди у книжных прилавков, горячие споры о физиках и лириках. Победил тех и других, и третьих шоу-бизнес, холодный, расчётливый, наглый. Толпа заходится в экстазе, чествуя очередную поп-звезду, вытанцовывающую под фонограмму и тупо повторяющую четыре строки типа «За коленку меня ты не трожь…»
Так что ж теперь делать «бедным лирикам»? Отойти в сторону и сложить поэтические крылья? А может перейти на пошловатые заготовки для эстрадных кумиров? Кто-то пошёл и по такому пути. Слаб человек, а искушение велико. Но слава Богу, не перевёлся гордый, творческий народ, особенно в провинции. Неистребимы тяга к поэтическому образу, животворное чувство прекрасного, способность не согнуться под гнётом бездуховности и цинизма, смелость плыть, если надо, против течения. В этом контексте хочется представить уважаемым читателям новую книгу костромского поэта Николая Максимчука «Мелодия живой струны» (2011г.)
Не правда ли красивое название, что одно уже располагает на лирический лад. К тому же сделана попытка повести речь одновременно с двумя музами, поэтической и музыкальной, обогатить выразительность литературного слова художественной интонацией. Во многих стихотворениях музыкальная атрибутика выступает стержневой основой содержания, смысловой интриги ( диез, бемоль, рояль, клавиши, аккорд, мажор и т. д.). В них слышится музыка жизни, полифоническая, разножанровая, как и сама реальная действительность. Причём, мелодии исполняются не понаслышке и с чужих нот, а на своём «инструменте», с учётом солидного жизненного опыта, вобравшего в себя перипетии служивого человека, судьбу кадрового офицера, трудности «гарнизонного соседства», семейные радости, красоту «сердцу милой глубинки», волынскую осень, «скорых на любовь» русалок, песни «с протяжной грустью на устах».
Литературно-музыкальная составляющая обеспечивает чёткую композиционную структуру произведения, определяет названия разделов, придаёт ему целостность. Правда, не всегда достигается при этом гармония слова и звука. Порой слышится диссонанс, сбой ритмики стиха, заметна громоздкость отдельных строк. Тут есть ещё над чем работать.
Жизненное пространство лирического героя не столь обширно, но очерчено рельефно и видится им не из дали, а с близкого расстояния, в ряде случаев почти в упор. Впечатляет основательность этого видения, сдержанная, но сильная энергия уверенного в себе человека. В основе такой уверенности – нерасторжимая связь с отчим домом, малой родиной, с казацкими корнями.
Снимают шашку со стены
С потёртой кожей лепных ножен.
Так дед снимал. Его сыны.
Так я снимал, волнуясь тоже.
Художественный образ «горсточки земли в мешочке» - один из самых выразительных в книге. Он символизирует неразрывную связь поколений, верность Отчизне, сопричастность к ратным подвигам дедов и отцов.
Но главным был там воинский отряд,
Смиренный перед образами
И яростный во вражеском огне!
Я видел смерть,
Но их глазами –
Глазами шедших по войне.
Любовь поэта к природе, его очарование родными просторами, живой музыкой окружающего мира читатель почувствует через систему зримых образов, ярких зарисовок. Вместе с автором он услышит, как «хрустит подмороженный снег, к шагам подбирающей нотки,» увидит, как «сосны посменно качают луну своими ладонями хвойными», как набухает «синью вечер» и др.
Более отчётливо хотелось бы услышать слово поэта о сегодняшнем переломном этапе в судьбе России. Как тут не вспомнить аксиому «поэт в России больше, чем поэт». Значимость пророческого слова особенно возрастает в условиях надвигающегося духовного хаоса. Сон разума рождает чудовищ. Надо будить уснувшее общество, чтобы не допустить катастрофы. Не о том ли сказано в Священном Писании: «…просите, и дано будет вам; ищите, и найдёте; стучите, и откроют вам…».

Кто является автором "хрустального гобоя"

ФЛОРИЯ ТОСКА, знаменитая певица (сопрано)
МАРИО КАВАРАДОССИ, художник (тенор)
БАРОН СКАРПИА, шеф полиции (баритон)
ЧЕЗАРЕ АНДЖЕЛОТТИ, политический узник (бас)
РИЗНИЧИЙ (баритон)
СПОЛЕТТА, полицейский доносчик (тенор)
СКЬЯРРОНЕ, жандарм (бас)
ТЮРЕМЩИК (бас)
МАЛЬЧИК-ПАСТУХ (меццо-сопрано)
РОБЕРТИ, палач (молчит)

Время действия: июнь 1800 года.
Место действия: Рим.
Первое исполнение: Рим, театр «Костанци», 14 января 1900 года.

В. Сарду, король французских драматургов, написал «Тоску» специально для Сары Бернар. Она имела огромный успех в роли Флории Тоски, и представления «Тоски» давались, согласно утверждению автора, три тысячи раз. (Это число, быть может, несколько преувеличено: Сарду утверждал это двадцать лет спустя после премьеры.) Во всяком случае, эта драма вызвала интерес как возможный источник для либретто не только Пуччини, но также Верди и Франкетти. Первым права на написание оперы по этой драме получил Франкетти, и лишь благодаря некоторому лукавству Тито Рикорди, издателю как Пуччини, так и Франкетти, эти права перешли от менее одаренного композитора к великому.

Но были и другие, кто думал, а возможно, и до сих пор считают, что эта пьеса слишком драматична, чтобы служить идеальным либретто. Некоторые из критиков, судивших о премьере, высказывали именно это мнение. Также думал и Масканьи. Он говорил: «Я был жертвой плохих либретто. Пуччини стал жертвой слишком хорошего».

Правы эти критики или нет, факт остается фактом: опера имеет огромный успех; пьеса Сарду практически умерла после того, как от нее отказался Бернхардт, а опера Пуччини продолжает жить на сценах всех оперных театров мира вот уже сто лет после премьеры, после более чем трех тысяч постановок и после того как сотни сопрано сделали свой финальный прыжок с парапета тюремного замка.

Пуччини великолепно понимал ценность драмы Сарду — стремительный ход ее развития и необычайную экспрессивность. Он резко возражал, когда либреттист Иллика хотел вложить в уста тенора длинную прощальную речь, и вместо этого написал короткую, но в высшей степени выразительную и эмоциональную арию «Е lucevan le stelle» («В небе звезды горели»). Он отказался от написания старомодного квартета с пытаемым за сценой тенором и со Скарпиа, Тоской и Сполеттой, рассуждающими об этом на сцене. Ему даже не нравилась знаменитая ария «Vissi d’arte, vissi d’amore» («Только пела, только любила»), поскольку она останавливала действие, и, когда однажды на репетиции Мария Джеритца случайно откатила ложе как раз перед первыми звуками и спела арию, стоя на полу, композитор сказал: «Вот так хорошо. Это придает арии жизненность». С тех пор Джеритца так ее и пела.

Да, Пуччини всегда был в первую очередь человеком театра. Но это отнюдь не значит, что он не ценил хороший голос. Однажды, когда планировавшийся на постановку оперы тенор не смог исполнить обязательства по контракту и спеть партию Каварадосси, Рикорди послал за одним молодым тенором, у которого — издатель не проявил здесь оригинальности в суждении — был «золотой голос». Этим никому тогда не известным певцом был Энрико Карузо. После того как Пуччини саккомпанировал ему в арии «Recondita armonia» («Свой лик меняет вечно»), композитор повернулся на своем стуле у рояля и спросил: «Кто послал вас мне? Бог?»

ДЕЙСТВИЕ I
Церковь Сант-Андреа Делла Балле

Три сокрушительных аккорда открывают оперу; они далее всегда используются для характеристики Скарпиа, зловещего шефа римской полиции. Эта фигура беспощадного, хотя внешне утонченного человека, олицетворяла реакционные силы Италии, где Наполеон, в 1800 году, считался апостолом свободы. Сразу после этих вступительных аккордов поднимается занавес. Взору зрителя открывается внутренний вид церкви Сант-Андреа делла Балле в Риме. В одну из боковых дверей входит дрожащий от страха, в оборванных одеждах человек. Это Анджелотти, бежавший из заключения политический узник. Он скрывается здесь, в церкви, в капелле Аттаванти. Его сестра, маркиза Аттаванти, спрятала под статую Мадонны ключ от этой семейной капеллы, и сейчас Анджелотти лихорадочно ищет его. Наконец, найдя его, он торопливо отпирает решетчатую дверь капеллы и спешит укрыться в ней. Едва он скрывается, входит ризничий, принесший еду и необходимые вещи для работающего здесь художника. Он занят своими мыслями и о чем-то говорит сам с собой, направляясь к месту работы художника слева. Он недоволен тем, что в образе святой проступают черты одной из прихожанок. Не дьявол ли управляет рукой дерзкого живописца? Появляется наш герой, Марио Каварадосси, художник, который приступает к работе над образом Марии Магдалины. Картина стоит на мольберте, она наполовину закончена. Он поет арию «Recondita armonia» («Свой лик меняет вечно»), в которой сравнивает черты своего портрета с чертами своей возлюбленной, знаменитой певицы Флории Тоски.

Как называется автор популярной "Мелодии Жизни", которую часто исполняют на свадьбах

Опера начинается с дуэта Фигаро Сюзанной («Se a caso madama» — «Как только графиня»). Это именно те, кто намереваются пожениться, согласно названию оперы. Будучи оба слугами в доме графа Альмавивы, они готовят комнату, которую собираются занять, как только поженятся. Фигаро, как кажется, комната нравится. Но Сюзанна указывает ему, что граф демонстрировал ей некие знаки своего внимания, и она опасается, что их комната будет расположена слишком близко от его апартаментов. Вызов брошен, и остроумный Фигаро поет каватину «Se vol ballare, Signor Contino» (букв.: «Если желаешь потанцевать, мой маленький графчик, давай попробуй, но я подыграю тебе мотивчик»; в принятом переводе оперы: «Если захочет барин попрыгать»).
Появляется новая пара персонажей — д-р Бартоло и Марцелина, его ключница. Доктор не любит Фигаро; он не может забыть того, как ловко тот провел его, помогая графу жениться на его бывшей воспитаннице Розине. Марцелина же, с другой стороны, мечтает женить Фигаро на себе, несмотря на то, что она годится ему в матери. Она ведь ссудила ему денег и взамен получила гарантию, что он женится на ней, если не сможет вернуть их. Диалог между ними заканчивается арией д-ра Бартоло («La vendetta» — «Месть»), в которой он клянется сквитаться с Фигаро. Но прежде чем Марцелине удалиться, она встречает свою соперницу, Сюзанну, и они с любезным видом обмениваются колкостями.
Когда побежденная в этой словесной перебранке Марцелина отступает, перед нами предстает один из самых очаровательных оперных персонажей — юный паж Керубино, постоянно влюбленный то в одну, то в другую девушку. Это привело прямо-таки к неприятностям: как раз накануне граф застал его у Барбарины, дочери садовника, и, конечно, немедленно выдворил из дома. Теперь Керубино признается в любви Сюзанне и поет свою оживленную арию «Non so piu cosa son» («Рассказать, объяснить не могу я»). Она великолепно выражает проснувшуюся в мальчишеском сердце любовь с ее лихорадочной возбужденностью и сладостным томлением.
Но вот входит граф, и Керубино должен скрыться за креслом. Любезничание графа с Сюзанной, в свою очередь, прерываются стуком в дверь дона Базилио, учителя музыки, и граф также прячется. Базилио тот еще сплетник, и то, что граф слышит, заставляет его выскочить из укрытия, так как Базилио говорил, что Керубино уделяет слишком большое внимание графине. Пока граф гневно рассказывает о недавних похождениях Керубино с Барбариной, дочерью садовника, он в кресле находит самого прячущегося юного ловеласа. Тут следует великолепный концертный номер.
Вновь появляется Фигаро — на сей раз с группой крестьян, поющих песню, прославляющую графа. Граф, конечно же, должен встретить их учтиво, так что на некоторое время восстанавливается мир. Затем, после ухода крестьян, граф отдает приказ Керубино отправляться в армию. Это, он надеется, шанс избавиться от юного повесы. Действие завершается, когда Фигаро в насмешливой военной арии «Non piu andrai» («Мальчик резвый») иронически поздравляет Керубино со свалившейся на него военной карьерой.