Искусство современности: удивительные картины талантливых художников

Какая ассоциация возникает у тебя в голове при слове «современное искусство»? Наверняка непонятная мазня на холсте, которую может повторить даже твоя младшая сестра. Но сравнивать современное искусство с творениями эпохи Возрождения бесполезно, слишком уж разные контексты и эпохи. А вот вдохновляться творцами XXI века — можно и нужно! Мы собрали несколько современных художников с самыми красивыми, странными и невероятными картинами ✨

Известный на весь мир японский художник, который прославился своим ярким и наивным взглядом на мир. Основные символы его творчества — улыбающиеся ромашки, беззаботные грибочки и радостные мышки. Художник признавался, что основа его творчества далеко не такая же радужная: Такаси сбегал в мир аниме и манги из мира послевоенной разрушенной Японии. Мультики и мотивы детства наиболее сильно повлияли на стиль художника. Зато работать с ним хотят «взрослые» корпорации и бренды: например, Мураками делал коллаборацию с модным брендом Louis Vuitton .

Американский художник тайского происхождения прославился работой над комиксами: в течение 20 лет Джеймс рисовал обложки для компании DC Comics, которые выпускают истории про Бэтмена и Супермена. Профессионально заниматься иллюстрацией художник начал в 2001 году, и уже через три года к нему пришел успех: Джеймс получил престижную премию Айснера в номинации «лучший художник обложки».

Сейчас Джеймс Джин в основном занимается персональными работами, но известность его не угасла. Среди его поклонников — множество знаменитостей, включая самого RM из BTS.

✨ Алисса Монкс (@alyssamonks)

Американская художница прославилась картинами в жанре гиперреализма, которые порой не отличить от настоящих фотографий. Алисса пишет картины маслом и часто передает изображение сквозь дымку пара, тумана или водной глади. Несмотря на то, что ее работы почти точь-в-точь передают реальность, художница выступает за красоту неидеального. Так, в 2015 году художница прочла лекцию на TED-talk«Как потеря помогла одному художнику найти красоту в несовершенстве».

✨ Эллен Шейдлин (@sheidlina)

Эллен (ранее Елена Шейдлина) стала известна благодаря фотоблогу, но с каждым годом получает больше внимания как независимая художница в жанре сюрреализм. Выставки девушки проходили в Санкт-Петербурге и Токио, а недавно Эллен поступила в академию искусств во Флоренции — надеемся, итальянская выставка не за горами. Российским поклонникам искусства повезло, ведь мы можем следить за творчеством Эллен не только через Инстаграм (запрещенная в России экстремистская организация), ноканал на YouTube.

✨ JonOne (@jonone_156)

И напоследок — немного уличного искусства. Точнее, много! Джон Эндрю Перелло, известный как JonOne - художник в стиле граффити из Нью-Йорка. Парень начинал работать в момент зарождения уличной живописи: вместо своего имени, как делают многие граффитисты, Джон наносил на стены абстракции и разноцветные узоры. Его стиль понравился одному знакомому, который позвал Джона сделать персональную выставку в Париже — там художник и живет по сей день.

Связанные вопросы и ответы:

1. Какие критерии определяют талантливого художника в современном искусстве

Ответ: Талантливого художника в современном искусстве определяют не только его техническое мастерство, но и оригинальность и глубина его идей. Важно, чтобы художник имел свое видение мира и умение передать его на холсте или в других материалах. Также значима способность художника произвести впечатление и вызвать эмоции у зрителей. Кроме того, роль играет контекст современного искусства и влияние новаторских тенденций на восприятие творчества художника. Общественное признание и успешная карьера также могут быть показателями таланта художника.

2. Какое влияние оказывают современные технологии на творчество современных художников

Ответ: Современные технологии имеют значительное влияние на творчество современных художников, позволяя им использовать новые инструменты и техники для воплощения своих идей. Многие художники создают цифровые произведения и экспериментируют с мультимедийными формами искусства. Также технологии облегчают процесс создания и распространения произведений, позволяя художникам быстрее и эффективнее взаимодействовать с публикой. Некоторые художники используют виртуальную реальность или интерактивные инсталляции, чтобы расширить возможности своего творчества.

3. Что объединяет работы талантливых современных художников

Ответ: Работы талантливых современных художников могут объединять различные темы и стили, но обычно их работы отличает оригинальность и авторская идентичность. Многие художники стремятся к экспериментам и новаторству, что делает их творчество уникальным и запоминающимся. Также художники могут объединяться в художественных движениях или сообществах, чтобы поддерживать друг друга и совместно исследовать новые идеи. Важной чертой талантливых художников также является постоянное стремление к развитию и совершенствованию своего мастерства.

4. Какую роль играют современные художники в обществе

Ответ: Современные художники играют важную роль в обществе, помогая расширить горизонты зрителей, вызывать обсуждения и анализировать современные явления и проблемы. Их произведения могут служить зеркалом общества, отражая его ценности, амбивалентность и вызывая рефлексию. Художники могут выступать как критики и исследователи социокультурной сферы, помогая людям лучше понять себя и мир вокруг. Также художники способны вдохновлять и мотивировать людей своим творчеством, раскрывая новые грани человеческого воображения.

5. Какие вызовы стоят перед современными художниками

Ответ: Современные художники сталкиваются с рядом вызовов, таких как поиск своего уникального голоса в условиях множества художественных течений и конкуренции. Они также должны уметь адаптироваться к изменяющимся технологиям и требованиям публики, чтобы оставаться актуальными и востребованными. Кроме того, художники должны бороться за признание своего таланта и уделять внимание развитию своего профессионализма. Важно также не утратить свою авторскую интегритет и оставаться верным своим идеалам и ценностям в творчестве.

6. Какие перспективы развития видите для современных художников

Ответ: Для современных художников открываются многообещающие перспективы в условиях цифровой эры и глобализации искусства. Они могут использовать новые технологии для творчества и распространения своих работ, что позволяет им достигнуть аудитории по всему миру. Также важным является развитие художественных образовательных программ и платформ для самопродвижения, где художники могут обмениваться опытом и идеями. Современные художники имеют возможность не только создавать новаторские произведения, но и активно взаимодействовать с публикой и влиять на общественное мнение через свое творчество.

Какую тематику и стилистику выбирают современные художники для своих работ

Однако эталоном любого искусства остаётся именно она – классика. В её произведениях содержатся грандиозные идеи в отношении устройства нашего мира и осмысления места человека во Вселенной, по кусочкам собирается вся история человечества. Но многое в них уже устарело и стало не слишком понятным для подрастающего поколения.

Возьмём, например, литературу. Из-за трудности восприятия описаний, исторических понятий, из-за неполноты знаний подростки зачастую избегают встречи с классикой и находят её скучной.

Интернет-опрос, проведённый нашим изданием в социальной сети «ВКонтакте», проходил среди молодых людей и подростков в возрасте от 15 до 20 лет.

Им были заданы следующие вопросы:

читаете ли вы классическую литературу и каких именно авторов?
как вы относитесь к классике вообще?
увлекаетесь ли вы изучением живописных работ русских художников XIX – XX веков?
нравится ли вам искусство?
нужно ли современному человеку изучение классики, должен ли он интересоваться прошлым своих предшественников?

Исходя из ответов на данные вопросы, можно сказать следующее: если не считать школьную программу по литературе, люди в этом возрасте читают в основном зарубежную классику. Как правило, это книги, которые «навязываются» интернет-ресурсами, социальными сетями. Многие не могут понять всю сложность сюжета этих произведений.

С художниками дела обстоят несколько иначе: их творчество большинство знает на уровне «Девочки с персиками» и «Мишек в сосновом бору». По-настоящему изобразительным искусством интересуются в основном те, кому приходится с ним работать или кто действительно получает от этого удовольствие. И эти молодые люди действительно в нём разбираются. Остальные же не могут отличить картину Рафаэля от произведений других художников, а Моне от Мане.

При этом многие из опрошенных считают, что классическое искусство необходимо современному человеку для поддержания и осмысления моральных ценностей. Но не все его изучают, и далеко не всем оно нравится. Кому-то просто не хватает времени на тщательное ознакомление с произведениями искусства, а кто-то плохо понимает все те аспекты, которые содержит в себе классика. Некоторые привыкли читать, слушать и смотреть то, что сейчас актуально. Вместе с тем, говоря о классике, многие вспоминают о традициях и истории, что побуждает людей интересоваться этими предметами. И это замечательно.

Какие материалы и техники предпочитают использовать современные художники

В прошлом цена на работы того или иного художника формировалась в течение долгого времени и зависела от множества факторов (участие в крупных международных художественных форумах и кураторских проектах, наличие или долгое отсутствие персональных выставок и так далее). Сегодня художник уже в начале своей карьеры может продавать работы за довольно существенные суммы и всего за несколько лет достигнуть миллионных доходов.

Этот тренд восходит к началу 2000-х, когда скульптура Джеффа Кунса (которому в 2001 году было 46 лет) «Майкл Джексон и Бабблз» ушла на Sotheby’s за невообразимые $5,6 млн. Да, к тому моменту Кунс уже являлся знаменитым художником, но все же никто не предполагал, что работы живущего автора способны достичь такой планки. Можно утверждать, что именно эта сенсационная продажа в начале нового тысячелетия заложила основу для ценообразования в сегменте «ультрасовременных» произведений, которые стали претендовать на уровень цен, достигнутых уже известными и признанными художниками. В последующие годы этот тренд только укреплялся — крупные аукционные дома выставляли на торги работы все более молодых авторов. С момента продажи скульптуры Кунса количество художников моложе сорока лет, представленных на аукционах, увеличилось в пять раз, а оборот в этом подсегменте вырос в 26 раз. Произведения лидеров продаж (которые по аналогии с акциями наиболее ликвидных, надежных и прибыльных компаний называются «голубыми фишками») — Баскиа, Уорхола, Бэнкси, Кондо — достигали заоблачных цен, а поверившие в современное искусство коллекционеры все чаще вступали в агрессивные торги за не такие дорогие, как у «голубых фишек», работы многообещающих молодых и в некоторых случаях очень молодых авторов — художников «ультра».

Что отличает их работы от классического искусства

Фото с персональной выставки Алисы Горшениной в Ельцин-центре

Куратор паблик-арт программы «ЧО» и директор Арт-галереи «Ельцин-центра» Илья Шипиловских рассказал, что сегодня многие художники стараются отойти от написания картин и используют другие способы самовыражения. Современные идеи основаны больше на исследованиях. Но это присуще современному искусству в целом, а не ситуации «здесь и сейчас».

«Работы художников основаны на исследованиях, когда в основе лежит сбор информации, ее анализ, а потом репрезентация. В принципе, безотносительно того, какие формы принимает искусство, у него главное – определение проблемы и поиск адекватного способа сделать эту проблему видимой. Вот как ты сможешь сделать ее видимой в пространстве музея, галереи, или в совершенно ином пространстве – заброшенном доме или сквере, это все больше не имеет значения. Сейчас имеет значение другое – необходимо найти встречу с публикой и найти возможность сделать проблему видимой для публики», – рассказал Илья Шипиловских.

Арт-директор галереи «Синара Арт» Юлия Борзенкова говорит, что одной из ведущих тем современных художников является поиск себя, своей идентичности, «на которую можно опереться в новом хрупком мире». Именно поэтому некоторые художники обращаются к темам своего детства, юности и в целом прошлого.

Фото из личного архива Юлии Борзенковой

Уральская художница Алиса Горшенина рассказала, что ее работы стали более эмоциональными, и в целом она сейчас работает больше со своими эмоциями, чаще с негативными.

«Мои работы всегда отражали мою жизнь, мое эмоциональное состояние. Сейчас в основном я нахожусь в подавленном состоянии, испытываю очень много боли, переживаний, и это все отражается в моем творчестве. Я их условно называю «работы, которые плачут». Это работы, говорящие о боли и душевных переживаниях», – поделилась художница.

Других взглядов придерживается художник Сергей Акрамов. Он говорит о том, что сейчас старается не работать в негативном ключе, а, наоборот, пытается переосмыслить свой опыт прошлого, чаще позитивный.

Фото из личного архива Сергея Акрамова

«Меня интересует время, противопоставление человека и природы в глобальном смысле. Мне близок поиск эстетики в повседневности, запечатление моментов жизни. Я стараюсь по-своему смотреть на мир и фиксировать эти наблюдения», – говорит Сергей.

Таким образом, художники в России продолжают работать с темой эмоций и своим опытом, исследуя и переосмысляя его, перерабатывая в конкретные сюжеты и объекты искусства. Восприятие этих эмоций и опыта зависит от личности самого художника.

Каковы основные тенденции в современном искусстве среди молодых художников

Посещать различные выставки у себя в городе. Здесь нужно не просто изучать чужие картины популярных и не очень художников, но и налаживать контакты с владельцами галерей, известными авторами и другими творцами.
Когда есть возможность, принимать участие в конкурсе даже на уровне университета или школы . Во-первых, нет предела совершенству. Во-вторых, все те же новые знакомства и связи. И, в-третьих, это прекрасная возможность заявить о себе и показать свои работы обществу.
Публиковаться в популярных журналах. Это могут быть профильные издания или любые другие, где используется художественный контент. Для начала можно обратиться в местные СМИ — очень часто они находятся в поисках хорошего художника, и будут рады сотрудничеству.

Участие в офлайн-выставках — это, пожалуй, один из важнейших шагов на пути к славе в наше время. За плечами каждого, кто хочет стать успешным, знаменитым художником, должна быть хотя бы одна выставка. Есть несколько способов, как ее организовать.

У себя на работе . Если компания одобрит, можно провести небольшую демонстрацию работ и, возможно, даже обрести первых поклонников и клиентов.
Найти муниципальные или государственные выставочные залы и связаться с их администрацией. Как правило, они часто организуют выставки наших начинающих художников на бесплатной основе. Если в городе есть Союз художников, можно обратиться туда — известные коллеги могут помочь.
Организовать выставку в городской библиотеке , и чем популярнее она среди горожан, тем лучше. Часто руководство заинтересовано в проведении тематических вечеров, и художественная выставка — хороший вариант.
В наше время во многих городах есть арт-кафе — можно предложить администрации провести выставку художественных произведений. Для заведения это публичное мероприятие, которое привлечет посетителей (особенно, если оно не очень известное), а для творца — возможность заявить о себе и стать знаменитым на городском уровне.
Если финансы позволяют, организовать собственную коммерческую выставку . Значительная доля затрат придется на рекламу, но если не уделить ей достаточно внимания, посетителей на выставке может оказаться крайне мало, и пользы от мероприятия не будет.

Какие темы и проблемы чаще всего отражаются на картинах современных художников

До появления соцсетей у человека, который хотел посмотреть на художественные произведения, было немного вариантов. Он мог сходить в музей, посетить выставку интересного ему направления или купить артбук. Сегодня у людей есть куда более удобная опция: прикоснуться к прекрасному онлайн. Конечно, увидеть картину на экране смартфона — это не то же самое, что сходить в галерею, но большинство устраивает и такой способ. Распространение искусства в сети привлекает и зрителя, и художника по ряду причин — но и подводные камни тоже есть.

Одно из главных достоинств современных онлайн-платформ — они демократизируют искусство, делают его доступным для простого зрителя. Стереотип о том, что высокое искусство принадлежит исключительно богатым, уже давно стал пережитком прошлого.

Рост популярности соцсетей в современном обществе полностью изменил то, как люди в целом относятся к жизни и делятся событиями: от новых знакомств до свежеопробованного рецепта. Творчество не стало исключением. В последние десятилетия социальные медиа сыграли важную роль в работе художественных организацией и восприятии искусства. Причем изменения произошли на уровне не

только маркетинга, но и процесса создания картин.

В 2014 году музей Frye запустил художественный проект #SocialMedium в сети Instagram. Страница проекта представляет собой подборку работ различных художников. Описание гласит: «Это то самое место, где ты лайкаешь картинку и эта работа отправляется на выставку». Действительно, самые «пролайканные» картины выставлялись в галереях на ряду с именами пользователей и их комментариями по поводу работ.

Frye привлекли зрителей к работе куратора, позволив им самим решать, какие картины достойны внимания. С одной стороны, это необычное и инновационное решение в очередной раз популяризовало искусство и приблизило его к обычной публике. Однако оно не только повлияло на репутацию заведения, но и стало одним из событий, возлагающих на художника большую ответственность.

Каков путь от начинающего художника до признанного мастера в современном искусстве

Джеймс в процессе определения критериев эстетической оценки искусства новейших течений, через исследования, выставочную практику и современную научную дискуссию.

Дорогие друзья!
Наша команда подводит предварительные итоги, делится виденьем перспектив развития генеративного искусства, рассказывая о современных подходах на примерах собственных платформенных сервисов и находится в поиске серьезных инвесторов желающих придать новый импульс развитию искусства.

Мы создаем образ из ничего, образ рождается внутри пространства, являющегося важнейшей его частью.

Изысканный геометризм конструкций мерцающих нитей, исполненный неистовой эстетической силы — язык геометрии, основа научной картины мира, гармония, симметрия, пропорция, ритм — слагаемые прекрасного, объективные законы красоты и порядка. Математический анализ искусства, убеждает нас в необычайной перспективности этого направления, позволяя формировать на плоскости матрицы переходов в музыкальных партиях, через трансформации между абстрактными типами данных и понижения размерностей музыкально-геометрических пространств.

Формирование статистических распределений и другие классические и современные методы анализа и визуализации информации, позволяют находить скрытую в гармонии искусства математическую основу, описывающую человеческие чувства сверхчеловеческим языком.

Красота форм вытекает из сущности конструкции, поэтическое дыхание которой, преобразует математическую поверхность в искусство. Наш особый инструмент преобразования — генеративная музыкальная платформа, задача которой — творческая деятельность — исполнительская, педагогическая, организационная — уникальна в своей многофункциональности.

Опираясь на принцип единства теории и практики, системном подходе и духе эксперимента, рассмотрим перспективы развития генеративного искусства, выявим типы связей и сведем их в единую картину, через осмысление собственного опыта, исходя из реализованного функционала нашей платформы.

Базовый прогноз перспектив развития генеративного искусства

Инновации развиваются экспоненциально: чем больше инноваций существует, тем больше есть комбинаций для создания новых. При этом закон ускоряющейся отдачи, говорит о том, что процесс генерации искусства, впервые становящийся роботизированным, запускает дугу экспоненциального роста.

Железный оркестр: аппаратная интеграция на базе ЦАП\АЦП, включая аналоговые, цифровые и виртуальные синтезаторы, сэмплеры и драм-машины.

Облачный SaaS cэмплер, дополненный 3D-motion с контролем через аудио анализатор.

Дирижирование – искусство, которому обучаются в течение долгих лет, поэтому мы отквантовали обработку сигналов, что бы генерация оставалась твердой.

Чтение AUDIO IN, перенарезка на сэмплы, полиморфическая полиритмия, запись в AUDIO OUT и MIDI OUT (на примере John Cage - Water walk).

На примере FOILAR - HERBARIUM "А ты, собираешь гербарий?!?"

6. Роботизированные музыкальные коллективы.

Роботизированных барабанщиков и пианистов мы внедряем уже сейчас, так в нашем последнем бэнчмарке , полностью генеративном альбоме-сэмплере, ударник был заменен на робота, клавишник являлся им изначально.

На ряду с преодолением дефицита креатива, полностью устраняется порог вхождения в сложно-размерную полиритмию, нестандартную структуру и динамику, например, составляющие основу традиционной балканской музыки, Math Rock, Progressive Metal и многих других музыкально-геометрических сегментов.

Паттерн на базе фрактала Серпинского (в центре).

7. Роботы композиторы\продюсеры.

Композиторам «средней руки» будет не просто конкурировать с роботами по цене\качеству\скорости.

При этом роботы не способны и не будут способны конкурировать с Рахманиновым, Чайковским, Мусоргским и другими величайшими композиторами.

8. Лэйбл — Е2Е конвейер.

Совокупность роботизированных процессов: производство нот «на вход», исполнение партитуры, стримминг и\или запись «на выходе», в сочетание с дополнительными точками входа для певцов и музыкантов, представляет собой гибридный PaaS-конвейер.

Наша платформа имеет описанные выше возможности: генерацию музыки и нот, запись инструментов и вокальных партий, создание банков сэмплов, предлагая ресэмплирование для их повторного использования в любых полиритмических рисунках.

9. Генерация стихов

Ускоренное развитие NLP непрерывно повышает качество генерации поэзии.

В нашей платформе генерация поэзии была реализована исключительно в экспериментальных целях, на минимальном уровне, через использование корпусов текстов и классические алгоритмы обработки, например, мы используем цепи Маркова, что оставляет открытым вопрос синхронизации не "квадратного" полиритмического паттерна генерации и стихотворного метра.

Какую роль играют социальные сети и интернет в продвижении работ современных художников

В рамках выставки “мастера акварели” прошел круглый стол по вопросам обучения.

В целом встреча проходила довольно скучно, выступающие просто озвучивали свои доклады, без работы с публикой.

И вот, уже в завершении встречи, встал Владимир Колбасов и задал провокационный вопрос, породивший интересную дискуссию.

В. Колбасов:

– Часто говорят, что вот это “профессиональные” картинки, а это – “любительские”. А что такое профессиональное и что – любительское? По каким критериям определить?

Вот человек, впервые взяв в руки кисть, залил красиво акварелькой, поставил пятно и решил: “Ёлки-палки! Это ж гениально! Сейчас же в Эрмитаж, если не на помойку!”

По каким критериям можно самостоятельно, без искусствоведа, определить, что хорошо, что нет?

Елена Базанова:
– На этот вопрос скорее искусствоведы должны отвечать, чем профессора..

Профессор Владимир Кузмичев:

– А я все же отвечу. Есть профессиональное искусство, есть народное, есть любительское.

У каждого из этих направлений есть свои критерии. Профессиональное имеет свои критерии, любительское – свои.

Любитель может со всей душой отдаваться делу, но у него отсутствует, так сказать, элемент профессионализма.

Термин профессионализм, конечно, дискуссионный. Можно по-разному говорить. Я считаю, что профессионал – это не тот, кто имеет профессиональное образование, а тот, кто имеет ряд профессиональных признаков.

Сформулировать профессиональные признаки… Думаю, здесь образуется целая дискуссия, это отдельная тема.

Это сложная вещь, это не физкультура, где пробежал, поднял, что-то сделал – есть измеримый результат.

Напишите в комментариях, какая из трех работ, по вашему мнению, принадлежит кисти Василия Кандинского.

Картина В.Кандинского и две работы участников Мастер-группы Школы М.Трушниковой. Сможете определить работу художника?

Елена Базанова:

Мне кажется, что любитель от профессионала отличается стабильностью результатов. Любитель рисует тогда, когда ему хочется, а профессионал – когда ему надо, тогда и рисует.

У любителей бывают шикарные результаты. Но неустойчивые.

Константин Кузема:
– В акварели, поскольку это высокотехнологичная вещь, и учитывается множество факторов, много методик.

Поэтому для меня профессионализм в данном случае – это наличие у художника какой-либо осмысленной методики работы акварелью. Еще раз подчеркиваю – методики, больше ничего!

Какое бы красивое случайное пятно любитель не уронил – он не достигнет того же результата, что достигнет профессионал, который сделает то же самое.

Любой потек, случайность – она не только и не столько контролируема, сколько предчувствие профессионала, что так произойдет, ощущение, что это будет так. У любителя этого нет.

– Елена Базанова:
– Главное в определении профессионализма картины – это наличие композиции. Если человек не владеет грамотой композиции – все, работа не состоялась.

Зритель, наивный, не догадывается, как художник вводит в свой мир. Любитель не догадывается и даже не может оценить своего результата – насколько он хорош.

А профессионал – может. Что получилось хорошо, что не очень хорошо, и развить себя дальше. Это не значит, что у профессионалов все получается, вовсе нет. Есть состоявшиеся работы, есть несостоявшиеся. Но несостоявшиеся работы зрителям не показывают, поверьте.

Профессионалом стать при известной степени упорства не сложно, всякий может. Но вот Творцом стать (не все художники ими являются, кстати говоря) …

Когда художник создает свой образ, свой мир, то тогда это творец, профессионал.

Один из художников:

– Я не совсем согласен с Константином Кузема, что наличие методики – это признак профессионала.

Можно быть прекрасным техническим исполнителем, но при этом не быть художником, потому что имея язык – не значит быть поэтом. Это только одна из граней, без которой никуда, но все же.

Когда-то Пикассо задали такой же вопрос и он ответил: “любитель – это тот, кто рисует то, что будут покупать, а профессионал – тот, кто продает то, что рисует.”