Современные мастера живописи: кто они и что они создают

Современные мастера живописи: кто они и что они создают

Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной. Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.

В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.

После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.

Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.

Alyssa Monks

Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.

Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.

“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.

Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.

Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.

Связанные вопросы и ответы:

Кто считается одним из самых известных художников современности

Расхожая фраза «художник должен быть голодным» не лишена некоторого романтического ореола, но вовсе не означает, что представители этой творческой профессии обязаны трудиться безвозмездно. Многим современным художникам удается неплохо зарабатывать, а самые успешные из них давно стали миллионерами и прославились на весь мир. Vokrugsveta.ru кратко рассказывает об их стиле и достижениях.

Джефф Кунс

Открывший широкой публике эстетику банальности и китча, Джефф Кунс стал популярным еще в 1980-е годы и с тех пор не сдает позиций. Его «Собака из воздушных шариков» ушла с молотка за 58,4 миллиона долларов, а скульптура «Кролик» — за рекордную сумму в 91 миллион долларов.

Художник постоянно подвергается критике, искусство Кунса нередко называют поставленным на поток бизнесом. Однако то, что его арт-объекты много лет остаются одними из самых узнаваемых в мире современного искусства — факт, который сложно подвергать сомнению. Кунса можно только любить или ненавидеть, равнодушным он не оставляет никого.

Дэвид Хокни

Уже при жизни он был признан классиком поп-арта. Дерзкий, самобытный и неординарный Дэвид Хокни — подлинный бунтарь современной живописи. Самое дорогое его полотно «Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)» было оценено в 90 миллионов долларов, оно написано в самый насыщенный калифорнийский период его творчества.

Какие жанры искусства наиболее популярны среди современных художников

Если бы на свете был секретный секрет успеха художника, то не было бы такого автора, который бы не мог продать свои работы. Не только сами художники задумываются над тем, а что лучше продается, какие жанры и стили сегодня в ходу. Арт-дилеры, галеристы и аналитические агентства также заинтересованы в том, чтобы найти тот золотой стандарт, который подойдет их покупателям.

Какие самые популярные темы и стили искусства? Какие техники и жанры искусства продаются лучше всего? Маленькие картины чаще продаются, чем большие? И должен ли художник задумываться об этом?

Есть ли определенные цвета, использование которых увеличат шансы на продажу произведения? Давно известно, что использование красного и синего цветов увеличивает стоимость продаваемой картины.

Бестселлеры по темам в живописи:

• Традиционные пейзажи
• Локальные виды
• Современные или полу-абстрактные пейзажи
• Изображения собак
• Ню или эротика
• Морские пейзажи, гавани и пляжные виды
• Живая природа
• Импрессионистские пейзажи

Эти данные были взяты из анализа, опубликованного в издании Art Business Today. Я как-то услышала пословицу “Рисуй пейзаж, быстрей продашь” от одного профессионального художника, и мне она кажется теперь не такой смешной.

Пейзажи

Многие думают, что пейзажи — это самый примитивный вид искусства. В конце концов, пейзаж понятен: каждый видит то, что хотел сказать художник, и это самое приятное для покупателя. Люди любят смотреть на красивые пейзажи, и в этом смысле покупка такого искусства похожа на покупку захватывающего вида. Пейзаж также впишется в любой тип дома или обстановку. Будь то морской пейзаж, городской пейзаж или лунный пейзаж; джунгли или горная вершина — он всегда остается естественным и привлекательным выбором для большинства покупателей произведений искусства.

Какие типы пейзажа продаются лучше всего?

Многие художники предпочитают писать с натуры, места где они живут. Локальные сцены определенно привлекают покупателей по личным, историческим и ностальгическим причинам. Локальные виды, достопримечательности, события или истории, уникальные для конкретного места будут напоминать обладателю работы о конкретном моменте и поэтому они хорошо продаются.

Морские пейзажи и пляжные сцены продаются хорошо, вероятно, из-за их связи с отпуском и отдыхом. Многие, у которых есть своя недвижимость на берегу моря, предпочитают украшать стены своего дома пляжными пейзажами, а также многие покупают морские пейзажи, чтобы потом вспомнить свой отпуск.

Современные или полуабстрактные пейзажи

В наши дни тенденция в декоре направлена ​​на минимализм и современность, поэтому очевидно, что вкусы в искусстве следуют этому тренду.

Абстрактные картины

Нравится вам это или нет, многие люди покупают искусство, чтобы украсить им свое жилье. Это может объяснить, по крайней мере частично, почему абстрактные картины продаются так хорошо. Если вы повесите абстрактную картину на стену, она может выглядеть просто как цветовое пятно, текстура или форма, этот стиль очень нравится тем, кто хочет создать единый стиль в своем доме. Кроме того, поскольку абстракция это не точное изображение предметов, зритель может свободно интерпретировать и приписывать значение увиденному, и эта свобода является еще одной причиной, по которой абстрактные картины продаются так хорошо.

Какой размер картины продается лучше?

Большинство художников говорят, что продают больше миниатюрных картин, чем больших. По мнению художников живопись на небольших холстах коммерчески более выгодное занятие, поскольку в этом случае художник меньше рискует — небольшие холсты, как правило, стоят дешевле, чем более крупные, и поэтому они не только будут привлекать покупателей по финансовым причинам, но будут занимают меньше места на в студии.

Тем не менее, выгода от продажи более мелких картин может быть равна выручке от продажи меньшего количества более крупных картин. Другими словами, художник должен продать только одну большую картину за 1000 рублей, чтобы получить такую ​​же сумму, как если бы он продал десять небольших картин за 100 рублей каждая, поэтому учитывайте это при выборе размера ваших работ.

Должна ли большая картина стоить дороже?

В целом, да. Ведь художник тратит больше материалов и работа над такими произведениями занимает больше времени, многие художники просят больше за масштабные произведения. Но иногда размер не влияет на цену. Время, мастерство и талант также должны играть роль в оценке произведения искусства.

Какие тенденции и стили можно наблюдать в современном искусстве

Экспериментирование: современные художники часто исследуют и экспериментируют с новыми материалами, техниками и формами искусства.
Разнообразие стилей и направлений: в современном искусстве нет единого стиля или направления, оно может включать в себя абстракцию, концептуализм, постмодернизм и многие другие.
Взаимодействие с зрителем: искусство стало интерактивным, оно часто требует участия зрителя и может изменяться в зависимости от взаимодействия с ним.
Глобализация: современное искусство не привязано к одной культуре или локации; оно часто отражает глобальные проблемы и переплетение культур.
Концептуальность: важным становится не столько визуальный образ, сколько идея, заложенная в основу работы.
Социальная и политическая ангажированность: многие современные художники используют своё искусство для комментариев на социальные, политические, экологические и экономические темы.
Технологические инновации: использование новейших технологий, таких как цифровое искусство, виртуальная реальность и использование искусственного интеллекта, становится нормой.
Пространственные эксперименты: современное искусство часто выходит за пределы традиционных пространств галерей и музеев, занимая общественные пространства и необычные места для инсталляций и перформансов.
Размывание границ: современное искусство размывает границы между различными видами искусства – живописью, скульптурой, литературой, музыкой, танцем и кино.
Коммерциализация искусства: растущее влияние арт-рынка и коммерциализация искусства приводят к дебатам о ценности и цели искусства.

Какие известные художники современности работают с абстрактным искусством

Диего Фацио

Появление каждой новой картины художника Diego Facio в Сети сопровождается волной комментариев в духе «не верю, что это рисунок», «неубедительно» и все в том же духе.

Новости СМИ2

Пришлось 22-летнему мастеру карандашного рисунка делиться секретами творчества. Гиперреалист-самоучка Диего Фацио начинал с эскизов для татуировок. Вдохновленный творчеством японских художников периода Эдо, великим Кацусика Хокусай в частности, Диего начал оттачивать свое мастерство, вырабатывая собственную технику рисунка. Он работает как струйный принтер, начиная рисовать с края листа. Использует простые карандаши и уголь. На создание одного портрета у художника уходит по 200 часов работы.

Игаль Озери

Yigal Ozeri — это современный художник из Нью-Йорка. Игаль невероятно точно передаёт игру света и тени, блики и солнечные засветы, и тем самым мастерски создает иллюзию фотографии. Процесс создания этих удивительных гиперреалистичных картин состоит из нескольких этапов. Сначала художник делает снимки моделей в естественном окружении. Далее, в своей творческой мастерской, он обрабатывает и печатает фотографии, и лишь затем пишет картины. Многие картины Игаль создаёт целыми сериями, что ещё больше вводит людей в заблуждение относительно подлинности работ, что, в общем, и понятно — редкий мастер способен столь точно создать иллюзию реального мира.

Готфрид Хельнвайн

Gottfried Helnwein — австрийский и ирландский художник. В своих работах он использует преимущественно акварельные краски. Хельнвайн — концептуальный художник. Он работал как живописец, чертёжник, фотограф, скульптор и артист, используя все стороны своего таланта.

Камалки Лауреано

Мексиканский гиперреалист Kamalky Laureano специализируется на портретной живописи. Как и все произведения гиперреалистов, картины Камалки выглядят фотографически естественно и натурально. Камалки применяет технику письма акриловыми красками на холсте. Для него работа это не просто подражание фотографии, а подражание жизни, которую он воплощает на холсте.

Какие известные художники современности известны своими портретами

В выставочном центре Artplay открылась необычная выставка. Художники, привыкшие рисовать на улицах, были приглашены в классический зал с белыми стенами, где им была предоставлена возможность показать своё искусство. Как таковой концепции и единой идеи у выставки нет: как и на улицах города, выставка создавалась стихийно, и самые разные произведения известных и начинающих художников из России и других стран соседствуют и уживаются друг с другом в выставочном зале. Проект «Артмосфера» призван дать стимул для развития уличного граффити в Москве, способствовать обмену опытом между отечественными и зарубежными художниками и, кроме того, показать, что московские власти поддерживают современное уличное искусство.
На открытии присутствовал заместитель руководителя Департамента культуры Москвы Владимир Филиппов , который в разговоре с корреспондентом АиФ.ru высказал позицию московского правительства по отношению к уличному искусству: «Город по-разному пытался бороться с нелегальными граффити, но опыт показал, что только лишь запретами ничего решить нельзя, это не работает. Если город будет "закрываться" и называть уличное искусство вандализмом, то ни к чему хорошему это не приведёт. Существует пример государств, которые по-прежнему считают граффити чем-то исключительно противозаконным. В них не перестают рисовать на стенах, при этом вандализма становится больше, чем в тех городах, где власти сотрудничают с художниками».

Guido Bisagni

• Псеводоним: 108
• Италия
• Граффити занимается более 20 лет

Граффити я стал делать в 1991 году, когда мне было 13 лет. Я катался по городу на скейте и рисовал. Первые граффити, которые я увидел, были в Швейцарии и Милане. Начинал я с классических примеров: с «тегов», букв. Этим я занимался все 1990-е годы, но в начале 2000-х я по-другому стал смотреть на искусство и вышел за пределы только лишь граффити. Уличное искусство — неотъемлемая часть городской среды, показатель состояния общества, и чем оно качественней, глубже, тем лучше обстоят дела с культурным уровнем жителей города.

Граффити: вандализм или искусство?

Вандализмом чаще всего занимаются подростки, которые в этом ищут выход своим эмоциям, нередко разрушительным. Но нужно понимать, что, во-первых, их к этому подталкивает вся наша современная культура, а во-вторых, если вдуматься, граффити — далеко не самый худший способ самовыражения, который позволяет реализовывать свой творческий потенциал. Поэтому я считаю, что власти должны тесно сотрудничать с художниками.

В остальном, уличное искусство — это зеркало, в котором отражается жизнь города. Это следствие, а не причина хорошего или плохого состояния дел. Ведь очень многое зависит от этических качеств самого художника, который собирается создать художественное произведение, а не наоборот. Поэтому, говоря о современном искусстве, мы должны помнить и обо всех процессах, которые происходят в мире.

К тому же, и я хочу обратить на это ваше внимание, уличное искусство уж точно наносит меньше вреда городской среде, чем реклама, разбросанная по всему городу.

Власти и уличные художники

В Италии мы не имеем никакой поддержки от городских властей, и это означает, что все художники сталкиваются с материальными проблемами. Это приводит к тому, что художникам приходится через силу создавать проекты, которые будут интересны большинству людей, и я считаю, что это очень плохо для искусства.

Расскажи о своей работе

На меня сильно повлиял русский художник Василий Кандинский , и поэтому, выбирая, что привезти на выставку в Москву, я решил остановиться на этих работах, в которых особенно заметно его влияние. Для меня в искусстве всегда присутствуют элементы волшебства, шаманизма. В этих работах я говорю о жизни, смерти, загадочной человеческой душе.

Какие известные художники современности работают с уличным искусством

5 008 работ, 355 художников

Цифровое или компьютерное искусство (англ. Digital art) – направление изобразительного искусства, в котором автор, используя компьютерные технологии, создает художественное произведение в цифровой форме. При помощи специальных программ художники воплощают свой творческий замысел, изобретают новые пути создания и передачи изображения, воссоздают фантастических героев и футуристические миры. Благодаря развитию компьютерных технологий, творцы перенесли произведения живописи, графики и скульптуры в виртуальную реальность. В XXI веке компьютерная графика начала преобладать в изобразительном искусстве и вытеснила рукотворные картины. Авторы, работающие в цифровой среде, стали создавать персональные галереи и формировать глобальное культурное пространство. Главной сложностью для художников остается сохранение авторских прав, определение подлинника, перевод цифровых произведений в реальность, экспонирование картин в музейных залах и определение ценности.
Мастера изобразительного искусства обратили внимание на зарождающиеся компьютерные технологии в начале 1970-х годов. 1980-е годы стали эпохой персональных компьютеров и появления цветного изображения. XXI век подарил человечеству технологию виртуальной реальности, которая смогла «оживить» фантазии художников и перевести их в цифровой формат. Сформировалось глобальное культурное пространство, объединившее творческие начинания жителей различных точек планеты. Новые технологии и авторские концепции вывели изобразительное искусство на новый уровень, позволили произведениям жить собственной жизнью и взаимодействовать со зрителем.
Художники цифровой живописи имитируют традиционные инструменты старых мастеров: холст и мазки краски, игру света, фактуру поверхности и износ материалов. Техника облегчает процесс, устраняет ошибочные действия, изменяет композицию и пропорции изображения. Цифровая фотография и искусство «фотоманипуляции» позволяют автору сохранять и редактировать снимок, пользоваться ретушью и цветовой коррекцией, комбинировать визуальные объекты в сюрреалистические картины. Создатели произведений векторной графики разрабатывают иллюстрации и с помощью математических формул определяют положение объекта, толщину контуров и пространство «заливки цвета».
Художники цифрового искусства создают причудливые абстрактные композиции, радуют объемными иллюстрациями и анимацией. Технологии трехмерной графики и анимации позволяют создать модель произведения в пространстве. Авторы дарят зрителям фантастические миры, в которых возможно рассмотреть объект или героя со всех сторон. При помощи анимации художники оформляют видеоклипы, заставки и рекламные ролики, комбинируют видеосъемку и эффекты. Молодые таланты XXI века используют методы цифрового искусства для художественных, культурных и социальных заявлений и экспериментов, объединяют несвязанные между собой сферы человеческой деятельности, создают культурно-философские концепции.
Известные произведения цифрового искусства :
« Грегори » 1982, « Николас Уайлдер изучает Пикассо » 1982 Дэвид Хокни; «Рождение вирактуальности» 2002 Джозеф Нечватал; «Философская мечта» 2006, «Затерянный в море жизни» 2006, «Тьма в конце тоннеля» 2016, «Жизнь как оптический обман» 2017, «Боль смерти» 2020 Хишам Зрейк.
Знаменитые художники цифрового искусства : Дэвид Хокни , Герберт Вернер Франке, Марта Далиг (Блэкери), Янни Меланитис, Кирилл Роландо , Мелани Делон, Ноа Брэдли, Рафаэль Лакост, Крэйг Селларс, Джейсон Чан, Алан Чоу, Крис дэ Лара, Марек Окон.

Какие известные художники современности известны своими фотографиями

379 работ, 145 художников

Инсталляция (англ. installation — установка, размещение, монтаж) как форма искусства представляет собой композицию в пространстве, которая объединяет разнородные по смыслу и фактуре элементы в единое художественное произведение. Она побуждает зрителя к аналитическому и критическому мышлению, базируется на ассоциативном и эмоциональном восприятии произведений художников. При создании инсталляций художник использует доступные предметы, объекты, визуальные средства и источники информации, при этом качество и долговечность материалов не влияют на выбор автора.
Первые инсталляции появились в 1960-х годах прошлого столетия, когда художники почувствовали необходимость выхода за рамки ограничений традиционного искусства: плоскостных, пространственных, территориальных. Абстракционисты пропагандировали отсутствие "рамок" в творчестве и явились катализаторами возникновения нового направления. В итоге появился жанр, который соединил в себе живопись, скульптуру и архитектуру, а затем вышел за пределы музейного пространства. В конце XX века современные технологии позволили создавать новый тип произведений, в частности,
Объединяющей особенностью инсталляций стал символизм материалов, предметов и объектов. Практические или буквальные свойства утратили значение. При создании произведений этого вида искусства художники используют все доступные материалы: бумагу, камень, металл и другие. Размер инсталляции варьируется от десятка сантиметров до пространства музейных и выставочных залов. Значение произведения зависит от связи между предметами, образами, материалами и пространством, в котором расположены объекты.
Самые известные инсталляции в искусстве :
« Колесо велосипеда » 1913, « Фонтан » 1950, « Свежая вдова » 1920 Марсель Дюшан; « Ящик », « Алтарь » Дэмиен Херст; « Витрина с пирожными », « Напольный бургер » 1962 Клас Олденбург; « Взрыв стены » 1965 Рой Лихтенштейн; « Пит идет в дом своей девушки » 2009, « Мальчик зажигает огонь » 2010 Дэвид Кит Линч.
Известные художники, работавшие с инсталляциями : Марсель Дюшан , Йозеф Бойс , Роберт Раушенберг , Джозеф Кошут , Эдвард Кинхольц , Илья Кабаков , Рой Лихтенштейн , Дэвид Кит Линч .