Секреты знаменитых композиторов: топ-10 интересных фактов

Секреты знаменитых композиторов: топ-10 интересных фактов

Композиторы, как и все творческие личности, находятся под покровительством своей музы. Самые известные из них навсегда вошли в историю, а произведения некоторых стали классическими. Интересные факты об известных композиторах расскажут о самых запоминающихся, а иногда и трагических моментах судьбы великих сочинителей музыки.

1. Людвиг ван Бетховен изначально посвятил свою третью симфонию (1804) Наполеону. В начале своей военной карьеры Бонапарт многим казался героем. Но когда Наполеон провозгласил себя императором, Бетховен перечеркнул на титульном листе симфонии посвящение и написал — «Героическая».
2. Вольфганг Амадей Моцарт начал писать музыку в 5 лет. Будущий великий австрийский композитор, дирижер, виртуозный скрипач и органист в детстве запомнил и записал Miserere итальянца Грегорио Аллегри, прослушав песнопение только один раз.
3. Иоганн Себастьян Бах при жизни был настолько недооценен, что было издано меньше десяти его произведений.
4. Петр Ильич Чайковский был одним из первых среди своих современников, который увидел уникальное изобретение Эдисона — фонограф. Именно этот предмет открыл эру звукозаписи.
5. Премьера Первой симфонии Сергея Васильевича Рахманинова закончилась провалом. Причинами были некачественное исполнение и новаторский характер самой музыки. Вследствие этого у композитора развилась серьезная нервная болезнь.
6. Французский композитор Гектор Берлиоз придумал название для инструмента, который изобрел Адольф Сакс. Так мундштучный офиклеид стал саксофоном.
7. Миланская консерватория носит имя Джузеппе Верди , хотя в 1833 году отказала композитору в зачислении: учителя не обнаружили в нем музыкального таланта. Позже своим творчеством Верди внесет огромный вклад в развитие мирового оперного искусства.
8. В XVII веке в оркестрах не было привычного нам дирижера с палочкой. Такт отбивал либо сам композитор, либо один из музыкантов инструментом или кивками головы. Так, трость для отбивания такта стала причиной смерти создателя национальной французской оперы Жана-Батиста Люлли . Он поранился ею во время концерта, и развившаяся гангрена привела к его гибели.
9. Композитор Михаил Глинка написал романс на стихотворение Александра Пушкина «Я помню чудное мгновенье…», которое писатель посвятил в 1825 году Анне Керн. Через 15 лет Глинка посвятил свой романс ее дочери — Екатерине Керн, в которую также был влюблен.
10. Антонио Вивальди мог и не стать великим композитором. В возрасте 15 лет он принял сан священника, но страстная увлеченность музыкой так и дала ему стать полноценным священнослужителем: по слухам, он постоянно убегал в ризницу во время службы, чтобы записать пришедшую в голову мелодию.

Связанные вопросы и ответы:

Какой композитор написал свои лучшие произведения, будучи глухим

Композитор жил в неспокойный исторический период. Мир наполняло насилие, войны, голод разруха… Впрочем, а когда мир это не наполняло? В этой, казалось бы, беспросветной мгле жизни, Людвиг ван Бетховен был тем, кто явил людям свет в царстве тьмы. Победив свои страдания, он показывает людям, что нельзя сдаваться под давлением жизненных обстоятельств. Нельзя оправдываться тем, что мир лежит во зле. Бетховен говорил, что не знает иного признака величия, как доброта.Лучше всего свои взгляды и принципы композитор выражал в своей музыке. Произведения, которые он смог создать тогда, когда перестал слышать, очаровывают, оказывают на слушателя гипнотическое действие. Они пьянят, Бетховен заявляет: «Я — Вакх, который выжимает сладостный сок винограда для человечества. Это я дарую людям божественное исступление духа».Задумку произведения, которое стало бессмертным шедевром и визитной карточкой великого композитора, он вынашивал больше двух десятков лет. Пробой к нему стала Девятая симфония. Бетховен примерялся, использовал разные музыкальные формы. Изначально бессмертная «Ода к радости» должна была украсить десятую или одиннадцатую симфонии (композитор говорил, что написал их, но рукописи не нашли). Но всё же он включил её в девятую симфонию.Впервые «Ода к радости» прозвучала вместе с Девятой симфонией в 1824 году. Очевидцы рассказывали, что после того, как музыка отзвучала, композитор стоял спиной к залу. Одна певица обратила на это внимание и развернула его. Аплодисменты пришедшей в состояние неистового восторга публики прозвучали целых пять раз. При этом, согласно этикету, даже венценосным особам принято было рукоплескать лишь трижды. Овации удалось прервать только с помощью полиции. Композитор был потрясён настолько, что потерял сознание и не приходил в него до вечера следующего дня.На партитуре девятой симфонии Людвиг ван Бетховен написал:«Жизнь есть трагедия.Ура!»

Какой композитор был великим пианистом и композитором, несмотря на свою глухоту

Немецкий композитор и пианист, возможно, один из величайших творцов музыки в мировой истории. В 26 лет Бетховен начал терять слух и к 44-м стал полностью глухим. Современные врачи диагностировали у него тиннитус – воспаление внутреннего уха, вызванное тяжелым инфекционным заболеванием, которое в те времена лечить не умели. Последний концерт как исполнитель Бетховен дал в 1803 году. Измученный постоянным звоном в ушах, он даже подумывал о добровольном уходе из этого мира. От самоубийства его удерживало осознание собственного предназначения: муза не покинула его. Самые значительные произведения классики, включая все 9 симфоний, Бетховен написал, испытывая глубокие страдания в попытках отделить от шума звучащую в голове музыку. Друг композитора механик Мельцель, изобретатель метронома, изготовил слуховые трубки, которыми Бетховен активно пользовался до прихода полной глухоты. В последнее десятилетие своей жизни Людвиг общался с помощью записок. Для того чтобы хоть как-то ощущать музыку, композитор зажимал во рту деревянную палочку и приставлял ее к роялю, чтобы чувствовать вибрации инструмента. После полной потери слуха Бетховену понадобилось некоторое время, чтобы научиться сочинять и в таком состоянии. Шесть последних сонат для фортепиано (№№27-32), четыре струнных квартета, два струнных квинтета и грандиозная Девятая симфония стали не просто лебединой песней стареющего композитора, а взрывом сверхновой для музыкального искусства XIX и ХХ веков.

Какой композитор изобрел новый музыкальный инструмент

Изобретение монохорда

Гвидо д’Ареццо обучает игре на монохорде епископа Теобальда. Миниатюра из кодекса XI века

© Wikimedia Commons

Изобретение инструмента для точного построения музыкальных интервалов приписывается Пифагору. Впервые его принцип действия был описан Евклидом полтора столетия спустя, но вплоть до эпохи Возрождения монохорд оставался главным инструментом теоретиков. Он представлял собой одну-единственную струну с подвижным зажимом, который двигался на нижней оси, параллельной струне, вдоль всей ее длины сообразно нанесенной на основании шкале делений. Инструмент часто даже не имел резонатора. В отличие от других музыкальных инструментов античности он никогда не звучал в храмах и на площадях. Однако именно ему было суждено сыграть судьбоносную роль в истории музыки.

Дело в том что с помощью этого нехитрого прибора пифагорейцы впервые установили математические основания музыкальной гармонии. По мнению греков, музыкальная гармония являлась частью всеобщей гармонии мира, в основании которой лежат числа. С помощью этого прибора были рассчитаны математические соотношения музыкальных интервалов в натуральном строе  Натуральный строй — строй, основанный на ряду так называемых обертонов. Обертоны получаются делением звучащего тела, например струны, на равные части в соотношении 1:2 (образуется обертон, звучащий в интервале октавы от основного тона), 3:2 (следующий обертон, звучащий в интервале квинты от предыдущего обертона) и т. д. В результате получается ряд, гармонический по отношению к основному тону. На основе этих интервалов строится диатоническая гамма. Однако акустически чисто в этом строе будут звучать только те интервалы, которые находятся в непосредственном отношении к избранному основному тону. Другие интервалы диатонической гаммы будут звучать фальшиво. и разработана теория музыкальных ладов  Лад — центральное понятие учения о гармонии, музыкальная гамма, основанная на системе интервалов, существующих в том или ином строе (натуральном, чистом, темперированном). Диатонические лады основаны на специфическом чередовании тонов или полутонов и имеют семь ступеней, установленных изначально в результате использования интервалов натурального ряда (см. предыдущую сноску). Диапазон, или ладовый модуль современных ладов, — интервал октавы, то есть при достижении звука, находящегося в соотношении 1:2 по отношению к начальному звуку лада, мы достигаем его границы. На практике в этом можно убедиться, используя, например, только белые клавиши фортепианной клавиатуры. Проигрывая последовательности из семи звуков от любой из белых клавиш, начиная каждый раз от следующей, мы получим семь видов диатонической гаммы, в которых тона и полутона чередуются в разном порядке. Восьмое перемещение нас вернет к исходной комбинации тонов или полутонов. Впервые эта система была выведена и описана еще Птолемеем. Звук, с которого мы начинаем играть каждую из семиступенных последовательностей, считается (во всяком случае, в русском музыковедении) устоем лада, или его основным тоном.
Диапазон, или ладовый модуль, не обязательно может быть равен октаве. Кроме диатонических ладов существуют еще хроматические (состоящие из равных полутонов), целотоновые (состоящие из равных целых тонов), октотонные (состоящие из равномерного чередования «тон — полутон») и другие, являющиеся плодами композиторских изобретений или заимствованиями композиторов из фольклорной практики, что имело место только во второй половине XIX — ХХ веке. Деление октавы на равные полутона (хроматическая гамма) лежит в основании функциональной гармонии и тональности XVIII–ХХ веков, равномерной темперации, а также дает возможность сочинения музыки вне тональности (см. ниже Додекафония ). .

Какой композитор считается отцом симфонии

В этом году все прогрессивное человечество отмечает 290-летие со дня рождения гениального австрийского композитора Йозефа Гайдна - представителя венской классической школы.

Гайдна называют отцом симфоний. Это определение он получил, став основоположником симфонического жанра в музыке. Кстати, он оставил потомкам рекордное число симфоний – 104!

Успехи в музыке, его признание и материальная независимость не дали великому композитору счастья в личной жизни. Он был влюблен в девушку, которая предпочла светской жизни монастырь. И тогда композитор сделал опрометчивый шаг: женился на старшей сестре своей возлюбленной. Однако жена не разделяла его любви к музыке и вообще считала музыку недостойным делом для мужчины. Чтобы поменьше проводить время со сварливой женой, Гайдн с головой погружался в мир музыки.

Сохранились сведения о нескольких курьезных случаях, произошедших с симфониями Гайдна. К примеру, симфония «Сюрприз» была написана специально для английской публики, которая, как заметил композитор, засыпала под симфоническую музыку. И тогда Гайдн пошел на хитрость: его новая симфония начиналась со спокойных, убаюкивающих звуков, а когда англичане закрывали глаза, внезапно раздавался барабанный удар и гром литавр. Такой сюрприз повторялся несколько раз.

Другая история про чудо – после концерта, на котором исполнялись симфонии № 96 D-dur b и № 102 B-dur, восторженная публика переместилась к сцене, чтобы выразить признательность композитору. В это время огромная люстра грохнулась в зал, не причинив вреда ни одному из слушателей. С тех пор к названиям этих симфоний добавляется слово «Чудо».

Струнный квартет f-moll получил название «Бритвенный». Дело было так: однажды во время бритья Гайдну попалась затупившаяся бритва, раздраженный композитор воскликнул: «Кто даст мне нормальную бритву, тому подарю свое произведение». Рядом находился издатель нотной музыки, который тут же вручил композитору английскую бритву и получил в обмен Струнный квартет, который впоследствии стали называть «Бритвенным».

В Большом зале Туркменской национальной консерватории им. Маи Кулиевой состоялся концерт из 10 произведений гения венской классической школы. В аудитории слушателей – студенты и преподаватели консерватории, учащиеся училища и музыкальных школ столицы, те, кто очарован жизнерадостной музыкой Франца Йозефа Гайдна.

Организаторы концерта - кафедра камерного ансамбля – поделила концертную программу на две части: фортепианную и оркестровую. Программу концерта открыл Аманназар Арсланов, исполнив Сонату h-moll. Фортепианная соната наполнила зал торжественными и оптимистичными мелодиями. Надо отметить, что музыка так или иначе отражает внутренний мир и характер ее создателя. Поэтому произведения Гайдна невольно рисуют слушателям образ светлого и доброжелательного человека, наделенного тонким чувством юмора.

Лиричной и радостной прозвучала Соната Си-минор в исполнении первокурсника консерватории Эрджела Якшимурадова. Это был успешный дебют Эрджела, которого поддержала публика дружными аплодисментами.

В программу вечера вошли и вокальные номера. Арию из оратории «Времена года» - последнего произведения, написанного Гайдном – красиво озвучила лирическим сопрано народная артистка Туркменистана Гульнар Нурыева.

Лауреат премии «Туркменин Алтын асыры» вокалистка Бахар Дурдыева выступила с песнями «Верность» и «Светлый взор».

Трио C-dur в составе скрипки, виолончели и фортепиано исполнили Айболек Мухиева, Какагельды Ходжалеков и Стелла Фарамазова.

На сцену Большого зала поднимаются музыканты камерного оркестра «Вдохновение» с дирижером Довлетмамедом Окдировым. Ведущая объявляет: «Концерт D-dir. Cолист - заслуженный артист Туркменистана Владимир Мкртумов». Легкая и нежная музыка, местами страстная несла радость слушателям, как, впрочем, и все произведения Гайдна.

Концерт, посвященный Йозефу Гайдну, проходил по принципу: «Прекрасные произведения в прекрасном исполнении» и доставил удовольствие всем, кто находился в этот вечер в Большом зале – и на сцене, и в зале.

Какой композитор писал музыку на кенгуруских мехах

«Мальчишку взяли под Иркутском» в исполнении Владимира Бунчикова.1940–60-егоды

К 1930-м годам репертуар Блантера поменялся. «На Магнитке я стал писать другие песни», — вспоминал он позднее свой магнитогорский период. В 1931 году город Магнитогорск, строившийся параллельно с гигантским металлурги­ческим заводом, существовал еще только на бумаге: улицы проектировались, рабочие жили в бараках. Театр в нем стал одним из первых зданий. «На пре­мьеру спектакля шли со знаменами, как на праздник, — писал в своих воспо­минаниях Блантер. — Билеты распределя­лись по бригадам — в качестве награды за выполнение плана».

Первой удачей магнитогорского периода композитор называл песню «Маль­чишку взяли под Иркутском» — о комсомольце, героически погибшем в японском плену. Песня была написана на стихи поэта и журналиста Иосифа Уткина, который сам прошел через Гражданскую войну в Восточ­ной Сибири: принимал участие в антикол­чаковском восстании в Иркутске и воевал на Даль­невосточ­ном фронте. Но к его стихо­тво­рению не стоит относиться как к исто­рическому документу: японских войск в Иркутске не было — там действовал чехословац­кий корпус войск Антанты  Антанта — военно-политический блок России, Великобритании и Франции, созданный в 1904–1907 годах в качестве противовеса Тройственному союзу Германии, Австро-Венгрии и Италии. После победы большеви­ков в 1917 году и выхода России из Первой мировой войны, Великобритания, Франция и другие страны антигерманской коалиции пытались с помощью военной интервенции помешать утверждению власти большевиков, которых они считали союзниками Германии. . Возможно, что и комсо­мольцы, и комму­нисты были вписаны автором в текст уже значи­тельно позднее, чем появилась песня, ушедшая в народ: на это указывают строчки «Но комсомоль­цы / На допросе / Не трусят / И не говорят! / Недаром красный орден носят / Они 15 лет подряд  В другом варианте текста (как, например, в приведенном выше видео) слова «15 лет подряд» заменены на «уж много лет подряд». ». Первый орден Красного знамени был вручен комсо­мольской организации в 1928 году, то есть 15 лет этому событию исполнилось только в1943-м. Через год, в1944-м, Иосиф Уткин погиб в авиаката­строфе.

Какой композитор был известен своими странными прическами

Никколо Паганини был третьим ребёнком в семье(1757—1817) и Терезы Боччардо, имевших шестерых детей. Его отец был одно время грузчиком, позднее имел лавку в порту, а при переписи населения, выполненной по приказу, назван «держателем мандолин».

Когда мальчику исполнилось пять лет, отец, заметив способности сына, начал учить его музыке сначала на, а с шести лет — на скрипке. По воспоминаниям самого музыканта, отец строго наказывал его, если он не проявлял должного прилежания, и это впоследствии сказалось на его и без того слабом здоровье. Однако Никколо сам всё более увлекался инструментом и усердно работал, надеясь найти ещё неизвестные сочетания звуков, которые удивили бы слушателей.

Мальчиком он написал несколько произведений (не сохранились) для скрипки, которые были трудны, однако сам он их успешно исполнял. Вскоре отец Никколо отправил сына на обучение скрипачу Джованни Черветто ( Giovanni Cervetto ). Сам Паганини никогда не упоминал, что учился у Черветто, однако его биографы, например Фетис, Джервазони, упоминают этот факт. С 1793 года Никколо стал регулярно играть на богослужениях в генуэзских церквях. В то время висложилась традиция исполнять в церквях не только духовную, но и светскую музыку. Однажды его услышал композитор Франческо Ньекко (Francesco Gnecco), который взялся консультировать юного музыканта. В том же году он прошёл обучение у, пригласившего Никколо играть в соборе Сан Лоренцо, капельмейстером которого он был. Неизвестно, посещал ли Паганини школу, возможно читать и писать он научился позднее. В его письмах, написанных в зрелом возрасте, встречаются орфографические ошибки, однако он обладал некоторыми познаниями в литературе, истории, мифологии.

Какой композитор был похищен пиратами

Место действия – загородная резиденция турецкого паши Селима.
Время – середина XVI века.

Действие первое
Площадь перед дворцом паши Селима на берегу моря. Молодой испанский дворянин Бельмонт надеется на скорую встречу с возлюбленной Констанцей: после долгих поисков он наконец у цели. Осмин, управляющий имением паши, собирает инжир и напевает песенку. Бельмонт спрашивает его, нет ли среди здешней челяди садовника по имени Педрильо. Осмин приходит в неописуемую ярость. Не зная, что Педрильо – слуга Бельмонта, старик разражается проклятиями в его адрес: такие, как он, только и делают, что соблазняют девушек! Появляется Педрильо; осыпав его бранью, Осмин уходит. Теперь Педрильо может рассказать, что случилось. Он, Констанца и ее служанка Блондхен были похищены пиратами и проданы Селиму, сейчас девушки томятся в гареме. Бельмонт и Педрильо придумывают план побега. Хитрый слуга предлагает Бельмонту выдать себя за архитектора, так они смогут попасть в дворцовые покои.
Прибывает паша Селим со свитой. В его честь звучит хвалебная песнь. Вместе с Селимом на берег ступает Констанца. Паша влюблен в прекрасную узницу и надеется на взаимность. Девушка признается, что ее сердце навсегда отдано Бельмонту. Педрильо представляет паше испанца, расхваливая его как знаменитого архитектора. Селим принимает чужестранца благосклонно, и молодые люди, невзирая на протесты Осмина, проникают во дворец.

Действие второе
Сад при дворце паши Селима. Осмину нравится Блондхен, но в ответ на его притязания независимая англичанка обещает выцарапать ухажеру глаза. Осмин в раздражении уходит. Служанка пытается утешить свою госпожу, погруженную в печаль. Появляется Селим. Констанца бесстрашно заявляет ему, что будет верна Бельмонту даже перед лицом смерти. Между тем Блондхен узнает от Педрильо, что для побега из сераля подготовлен корабль, нужно лишь дождаться ночи и усыпить бдительного Осмина. Педрильо добавляет в вино снотворное и угощает управляющего. Тот проваливается в глубокий сон – путь открыт. Наконец-то Бельмонт может заключить Констанцу в объятия. Сомнения молодых испанцев в верности их избранниц развеяны, и обе счастливые пары воспевают любовь.

Действие третье
Площадь перед дворцом в полночь. Как условлено, Педрильо поет серенаду, подавая сигнал к побегу. Бельмонт по приставной лестнице проникает через окно во дворец и выводит Констанцу. Педрильо таким же образом влезает в комнату Блондхен. В этот момент на пороге появляется Осмин: раб разбудил его, услышав шум. Беглецы схвачены, управляющий злорадствует.
Зал во дворце паши. Осмин докладывает господину об измене. Стража приводит пленников. Выясняется, что Бельмонт – сын злейшего врага паши Селима. Осужденные готовятся принять мучительную смерть. Однако турецкий властитель проявляет благородство и милостиво отпускает всех четверых на волю. Осмин в бешенстве убегает, а янычары вместе с народом восхваляют своего господина.

Какой композитор писал музыку под воздействием лауданума

Рахманинов посвятил свой Второй фортепианный концерт известному московскому врачу — невропатологу и гипнотизёру Н. В. Далю, лечение у которого способствовало укреплению его нервной системы и преодолению душевного кризиса. Впервые полностью концерт был исполнен автором 27 октября 1901 года в Москве в симфоническом собрании Филармонического общества под управлением Александра Зилоти .

Вторым фортепианным концертом c-moll ор. 18 (1901) и другими произведениями, сопутствовавшими ему или созданными непосредственно после его окончания, Рахманинов поставил себя в ряд крупнейших мастеров русской музыки. Пора исканий осталась позади.

Были преодолены сомнения и колебания, рождавшиеся неуверенностью в себе, неумением четко определить свой особый, самостоятельный путь, свой круг художественных задач и средств их решения.

В XX век Рахманинов вступал вполне сложившимся художником, с неповторимо своеобразным творческим обликом и выработанной манерой письма.

Концерт этот занял особое место в творчестве Рахманинова, став едва ли не самым популярным его сочинением не только благодаря высокому художественному благородству, красоте и выразительности тем, законченности общей концепции, но и потому, что композитор необычайно ярко сумел воплотить в нем то настроение радостного возбуждения, подъема, ожидания чего-то нового, которым охвачены были широкие круги русского общества на пороге наступающего столетия.

Именно к этому времени относится известная крылатая фраза Горького из письма Чехову: «Право же — настало время нужды в героическом: все хотят возбуждающего, яркого, такого, знаете, чтобы не было похоже на жизнь, а было выше ее, лучше, красивее». Горький призывал не к уходу от реальной жизни в область красивого вымысла и не к затушевыванию отрицательных сторон существующей действительности, а к тому, чтобы пробуждать в людях жажду лучшего будущего и укреплять у них веру в его возможность и достижимость, в свою собственную силу и достоинство.

Лейтмотивом многих литературных произведений становится горьковское «Человек — это звучит гордо». Тема роста человеческой личности, преодоления всех внешних и внутренних препятствий, мешающих ее полному раскрытию и самоутверждению, лежит и в основе наиболее выдающихся образцов русской музыки той же поры (например, симфония c-moll Танеева, сонаты и симфонии Скрябина). Во Втором фортепианном концерте Рахманинова она выражена с особой лирической непосредственностью, теплотой и поэтической озаренностью чувства. При наличии ярких драматических контрастов и столкновения противоборствующих начал, музыка концерта носит в целом светлый, гармонически ясный характер. Его основным мотивом является воспевание красоты и радости жизни, воплощенное во множестве выразительных оттенков и градаций от тихого созерцания до восторженного, ликующего пафоса.

Трудно указать в музыкальной литературе другое произведение крупной формы, в котором бы до такой степени доминировало песенно-мелодическое начало. Мелодическая широта, кантиленность основных тем определяет и характерно рахманиновский тип развертывания, совершающегося плавно и постепенно, почти без цезур и перерывов. Разделы музыкальной формы тесно спаяны между собой и даже не переходят, а «перетекают» друг в друга. Но это нигде не вызывает ощущения лирической аморфности и бесформенности благодаря очень точному ощущению Рахманиновым «музыкального времени», верному распределению кульминаций и пропорциональности общей структуры. При своеобразии рахманиновского типа развития, обусловленного господствующей ролью лирически-песенного начала, в трактовке формы композитор остается в достаточной мере «классичным». Не отступая существенно от традиционных конструктивных схем, он переосмысливает их «изнутри».

В качестве формообразующего фактора, способствующего прочности сочленений и наполняющего целое стремительной энергией развития, выступает тот специфически рахманиновский упругий, императивный ритм, который обращал внимание современников уже в более ранних произведениях композитора. Широкий разлив воодушевленно-лирической песенной мелодики сочетается в концерте с неумолимо строгой ритмической дисциплиной, являющейся выражением сдерживающего и организующего волевого начала. «Так бывает у Бетховена,— писал Асафьев,— и, конечно, Рахманинов на тех страницах своей музыки, где приливы волн интонаций разбиваются о сдерживающие окрики управляющего ими ритма, уяснял перед собой смысл аналогичных бетховенских „аппассионатных" целеустремлений и тем острее оттачивал свои ритмы. Итак, рядом: интенсивнейшие порывы от величия внутренней душевной тревоги и сейчас же мощная организующая сила ритма, как оборона против душевного хаоса и прорыва плотины дисциплинированной воли стихией чувствований» (Замечу, что создание романса «Судьба», в основу которого взят «мотив судьбы» из Пятой симфонии Бетховена, могло быть связано с особым интересом Рахманинова к бетховенскому «стучащему» ритму, находящему своеобразное преломление в ряде его произведений.).

Какой композитор был известен своей эксцентричностью и любовью к экспериментам

Музыка Сальери… явно выделяется на фоне обычных добротных композиций той эпохи своей неординарностью и поиском свежих решений. У Сальери органично соединились итальянская мелодичность, глюковский пафос, умение оперировать сценическими контрастами и присущее венским классикам владение формой, контрапунктом и оркестровкой. Его партитуры стоили того, чтобы их изучать…

—  Л. Кириллина

Антонио Сальери написал более 40 опер, его «», «» и «», «Пещера Трофония», «Фальстаф», «» и в настоящее время ставятся на сцене и звучат в концертном исполнении. Опера «», написанная им к открытию театра «», была вновь поставленав 2004 году — к открытию миланского театра после длительного ремонта. Большим успехом пользуются альбомы арий из опер Сальери в исполнении примадонны итальянской оперы.

Самые ранние оперы Сальери, за исключением «Армиды», были выдержаны в классической итальянской традиции, в дальнейшем, как пишет Ф. Браунберенс, влияние Глюка превратило его из представителя «проитальянского» направления в венского композитора из числа последователей великого реформатора. И учитель признал ученика: композитор, вошедший в историю как реформатор оперы-сериа, в действительности представлял себе обновление музыкального театра как длительный процесс, в котором должны принять участие многие музыканты; он стремился «пробудить у композиторов потребность перемен», но в конце жизни Глюк не без горечи говорил, что «только иностранец Сальери» перенял от него его манеры, «ибо ни один немец их изучить не хотел». Умирающий Глюк передал Сальери сочинение «» для исполнения на его похоронах.

Музыковеды, уже давно пересматривающие роль Сальери в истории развития жанра, сходятся в том, что лучшими операми этого венского итальянца — как, впрочем, и у самого Глюка — оказались его французские оперы: «Данаиды» и «Тарар». Отчасти этому способствовали и особенности французской декламации: как говорил сам Сальери, в Вене он имел дело с «актёрствующими певцами», в Париже — с «поющими актёрами»; глюковская музыкальная драма требовала именно поющих актёров. Но прежде всего, как отмечал ещё в конце XIX века Макс Диц (включавший в число лучших опер Сальери и «Горациев»), атмосфера предреволюционной Франции позволила и учителю, и ученику реализовать максимум своих способностей — тот максимум, который в консервативной Вене, предпочитавшей традиционный итальянский стиль, не был востребован. Итальянские оперы Сальери, считал Диц, за исключением разве что «Армиды» и «Пещеры Трофония», остались в прошлом вместе со вкусами, которые они обслуживали; кто слышал только их, не имеет представления об истинном даре Сальери.

Какой композитор был прозван "крестным отцом музыки"

Умер крестный отец музыки Нью-Мексико Аль Харрикейн

Музыкант Аль Харрикейн скончался 22 октября 2017 года в возрасте 81 года. Как сообщил Associated Press его сын Аль Харрикейн-младший, причиной смерти стал рак предстательной железы четвертой стадии. О своем диагнозе музыкант узнал два года назад, отправился в прощальный тур и одновременно проходил курс лечения, который, увы, не помог.

Харрикейна называли крестным отцом музыки Нью-Мексико. Его настоящее имя Альберто Нельсон Санчес, а прозвище «ураган» дала ему в детстве мама. Она научила его играть на гитаре. Свою профессиональную карьеру Аль начал в ресторанах Альбукерки, а затем стал писать собственные песни и в 1962 году создал группу Al Hurricane & the Night Rockers. Дебютный альбом «Mi Saxophone» вышел в 1967-м и включал такие композиции, как “Lobo”, “Racer” и балладу “Sentimiento”. В своем творчестве он смешивал традиционные испанские гитарные приемы с роком, техно, фолком, кантри и исполнял песни как на испанском, так и на английском.

В 1969 году во время поездки по Колорадо Харрикейн попал в серьезное ДТП, в котором потерял правый глаз и был вынужден всю жизнь носить повязку, которую сделал частью своего сценического образа. За свою 50-летнюю карьеру Аль выпустил более 30 альбомов и был удостоен множества международных наград. Среди его самых известных хитов - «South Bend / Burrito», «Mexican Cat / Pedro's Girlfriend» и «(El Corrido De) La Prison De Santa Fe», посвященная жестокому подавлению беспорядков в тюрьме Санта-Фе в 1980 году.